Aparece algo nuevo

Cuando los escuché por primera vez me gustaron y me di cuenta  que eran un gran grupo musical, debo de haber tenido  13 o 14 años; cambiaron mi vida para siempre. Para los jóvenes que ya escuchábamos la radio y nuestros padres compraban discos para sus primeros equipos de música con tocadiscos, comienza la historia… teníamos que esperar bastante para que salieran sus discos en Chile, teníamos que conformarnos sólo con lo que de vez en cuando se tocaba por la radio, pero con el tiempo y ya con fuerza se comenzaron a escuchar en todos lados, fiestas, wurlitzers, y casas de venta de discos.

                                               

 “I Want To Hold Your Hand” se lanzó el por radio como novedad después de año nuevo 64-65, ya estábamos a la espera de cuando llegaría a las disqueras editado por Odeón que era la productora con los permisos en Chile. Fue bueno ya que teníamos algo nuevo para nuestras vacaciones escolares de verano.

Muchos los escucharon por primera vez durante esas vacaciones.  Pasaron los años y pasaron a ser importantes para nuestras vidas, los que eran dueños de algún disco de ellos, casi siempre tenían que prestarlo a alguien que lo pedía. Fueron inspiración para que en los colegios se formaran grupos musicales electrónicas que a duras penas trataban de imitarlos. A la salida de nuestro colegio había una Fuente de Soda (ahora Restaurante) que tenía un wurlitzer, que ya por esos años tenía algunos discos 45 para su elección y recuerdo  que ahí estaba también       “I Want To Hold Your Hand” los había una máquina de discos y tocaban ‘I Want To Hold Your Hand’ una y otra vez, la verdad es que todos poníamos monedas para escucharlos. Como novedad también comenzaban a salir noticias en los periódicos y revistas, sobre todo el furor que estaban causando en los Estados Unidos, no se había visto nunca nada igual este tipo de acontecimientos musicales, incluidos los primeros recitales en estadios o recintos abiertos para muchas personas.

                                                 

Todos los jóvenes querían aprender todo sobre ellos. Las ​​canciones comenzaron a entrar a las listas Billboard, ganando terreno y llegando a los primeros lugares. Muchos ya también conocían las canciones y sabían de los Beatles, gracias a los hermanos mayores  los más jóvenes también participaban, entre los trece y los quince era normal el gusto por ellos.

Nuestros abuelos se referían a ellos como los chascones.

Escrito por: Alejandro Glade R.

 



La amistad con Peter Sellers.

 Por: Alejandro Glade R.

Ringo y Peter Sellers

La historia de Peter Sellers y The Beatles sale a la luz en otoño de 1968 cuando Ringo Starr regaló a su amigo Peter Sellers el inspector Clouseau, una cinta con mezclas musicales  para que el actor diera el visto bueno y se convirtieran en definitivas, estos eran doce temas que iban a ir en el LP conocido como White Álbum. El actor tuvo guardada la grabación durante 12 años, hasta que a su muerte en 1980, apareció entre sus pertenencias y la grabación fue subastada en 1989 y su contenido se convirtió en viral entre coleccionistas, y más si tenemos en cuenta que, hasta que en 1995 se publicaron los tres volúmenes del Antology, anteriormente no existía nada de este material oficial alternativo que satisficiera las necesidades de los fans más ansiosos por escuchar cosas distintas de los cuatro de Liverpool.

De la película "The Magic Christian"

Los temas son del master original, por lo que es una grabación impecable y todas sus mezclas en inmejorables condiciones. Recordaremos que por esos años los discos se fabricaban en una doble versión (estéreo y mono) y lo comprábamos según el equipo que tuviésemos para reproducirlo. . En el caso de este master todas las mezclas son en mono y bastante distintas, a las estéreo, que son las que se escuchan ahora y más remasterizadas.

De la película "The Magic Christian"

LP  disco con grabación

Para los conocedores…

1. Back in the USSR (toma 6, 23 – Agosto – 1968): Existe sólo una sola mezcla en mono y es la del álbum blanco. Esta es idéntica a la finalmente editada, aunque los ruidos del final son distintos.

2. Rocky racoon (toma 10, 15 – Agosto – 1968): Mezcla mono 1, es la misma versión comercializada aunque tiene un corte al principio donde John y Paul cantan con palabras de una canción desconocida.

3. Wild honey pie (toma 1, 20 – Agosto – 1968): Mezcla mono 6. Es idéntica a la que se publicó finalmente, pero en esta se escucha al principio y al final conversaciones en el estudio.

4. Mother nature’s son (toma 26, 20 – Agosto – 1968): Mezcla mono 8. Esta es totalmente igual a la que apareció editada.

5. Sexy sadie (toma 117, 21 – Agosto – 1968): Es igual a la publicada, pero con cuarenta segundos más que fueron eliminados en la versión final.

6. Don’t pass me by (toma 7, 12-22 – Julio – 1968): Este tema es curioso ya que tiene un verso y un coro extra, y al final se escucha a Lennon y Ringo diciendo tonterías para explicar que para escuchar más música loca había que dar la vuelta a la cinta: >>if you want to hear some more crazy music, you’ve got to turn the tape over<<.

7. Yer blues (toma 16 & 17, 14-20 – Agosto – 1968): El principio original es como del estilo de >>Revolution 9<< pero con sonidos orientales y para otras ediciones se cambiarían. La primera parte (hasta el minuto 3:17) es de la toma 17, mientras que la última parte es de la toma16.

8. Good night (toma 34, 22 – Julio – 1968): Consta con dos diferencias fundamentales respecto a la final. La primera es que es ligeramente más corta porque han sido eliminadas un par de notas tras el segundo verso, justo antes que Ringo empiece a tararear, y la segunda es que hay voces de los niños al final deseando las buenas noches. La mezcla definitiva para el LP es del 11 de octubre pero se sabe que se hicieron al menos seis al final de las sesiones del 23 de julio y esta es una de las seis.

9. Everybody’s got something to hide except me and my monkey (toma 12, 23 – Julio – 1968): Es igual a la última y final, pero con ligeras diferencias en los coros que se incluyeron en la mezcla. Se sabe que la mezcla buena fue la 5 por lo que esta puede ser una versión anterior.

10. Ob-la-di, ob-la-da (toma 23, 15 – Julio – 1968): Existen algunas diferencias interesantes entre esta y la definitiva. Comienza con una charla y unos riffs y durante la introducción musical se oyen palmas. Además cuando está acabando John da las gracias antes de añadir >>estoy seguro<<. La mezcla final de la versión mono es del 12 de octubre, por lo que seguramente esta sea la última remezcla del 15 de julio.

11. Blackbird (toma 32, 11 – Junio – 1968): Muchas son las diferencias. La más importante es que no se escuchan pájaros. También tiene un par de notas extra de la guitarra acústica en la introducción, un ligero eco en la voz de Paul y falta la suave voz que dice >>play<< al comienzo del tema.

12. Not guilty (toma 102, 12 – Agosto – 1968): Con un total de cuatro mezclas diferentes de la toma 102 sale la primera de todas. También es la mejor versión que se puede encontrar de la misma en contraposición con la que aparece en >>Anthology 3<< que no es la mejor y quizá la más mala. Por eso que a lo mejor es la única de ese master que no apareció en el álbum blanco.

 Escrito por: Alejandro Glade R.

La actuación en la azotea fue un bálsamo para la banda.

 Por: Alejandro Glade R.

El concierto en la azotea de The Beatles, que tuvo lugar el 30 de enero de 1969, en la azotea de la sede de Apple Corps en 3 Savile Row en Londres, originalmente no estaba destinado a ser su concierto final cuando lo planearon. La decisión de actuar en la azotea fue principalmente el resultado del deseo de la banda de encontrar una manera creativa y espontánea de concluir las sesiones de grabación de Get Back y Let It Be, que se estaban volviendo cada vez más tensas e improductivas, lo que parece es que el encierro por tantas horas ya los tenía bastante estresados.

Entre ellos habían discutido varias ideas de cómo concluir ese proyecto que los tenía un poco cansados, esto incluía un concierto en vivo en algún lugar adecuado e incluso con televisión, pero finalmente aparece la idea de actuar en la azotea del edificio Apple Corps. El concepto del concierto en la azotea les atrajo porque era poco convencional y nunca visto, era algo íntimo y les permitía recuperar algo de la espontaneidad y energía de sus primeras presentaciones en vivo.

La improvisación del concierto en la azotea añadió un elemento de sorpresa y emoción, era totalmente novedoso para todos los que estaban con ellos, tanto para la banda como para la pequeña multitud de espectadores que se fue reuniendo en la calle para escuchar. Este concierto no pretendía ser su última presentación de la banda, pero sin que ellos lo supieran resultó ser su última presentación en vivo juntos, ya que los asuntos entre ellos fueron tomando diferentes rumbos, The Beatles se disolvieron oficialmente en 1970.

En resumen, Los Beatles eligieron actuar en la azotea de Apple para su concierto final como una manera de inyectar algo de creatividad y era lo de ellos, siempre creativos, y espontáneos en la conclusión de sus problemáticas sesiones de grabación.

Los Beatles, junto a Billy Preston y su piano, dieron su última presentación en vivo en lo alto del edificio Apple en 3 Savile Row, Londres, lo que se convirtió en el clímax de su película Let It Be.

Así lo dijeron: Subimos a la azotea para resolver la idea del concierto en vivo, porque era mucho más sencillo que ir a cualquier otro lugar; Además, nadie había hecho eso nunca, así que sería interesante ver qué pasaría cuando empezamos a tocar allí. Fue un pequeño y agradable estudio y experimento social.

Se instaló una cámara en el área de recepción de Apple, detrás de una ventana para que nadie pudiera verla, y filmamos a la gente que entraba. Llegó la policía y todos entraron diciendo: '¡No pueden hacer eso! Tienen que parar.

Estaban tan felices tocando juntos en vivo por primera vez desde el último show en San Francisco en agosto de 1966! Los recompuso y esta alegría que experimentaron fue el catalizador para de las sesiones de Abbey Road que siguieron casi de inmediato.

Billy Preston entra en la escena pública… y se convierte en el verdadero héroe de este proyecto. Llegó en el momento adecuado. Proporcionó una válvula de escape, una maestría musical increíble y una vibra que mantuvo el proyecto en marcha hasta el concierto en la azotea.

Al ver la película y ver la calidad, hace que sea difícil creer que se hizo hace 53 años. Durante ese tiempo, miembros de la banda, familiares y asociados de la banda que aparecen en el documental ya no están con nosotros para ver cómo creció históricamente este hecho y finalmente ha tenido el merecido éxito que siempre se mereció.

John Lennon / George Harrison / George Martín / Billy Prestón / Linda McCartney / Maureen Starkey / Geoff Emerick / Mal Evans / Neil Aspinall / Peter Sellers / Alexis Mardas /Allen Klein.

Escrito por: Alejandro Glade R.

Estreno por radio.

Por: Alejandro Glade R.

Un día de Junio de 1967,  estaba yo reunido junto a mi amigo Julio escuchando la radio a transistores, y pasando el tiempo cuando en la audición que teníamos puesta suena el nuevo disco de los Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band,  no teníamos mucha información sobre cuando se estrenaría en América a través de estaciones de radio FM locales. Fue un momento muy especial y unificador para todos los que hasta este minuto éramos seguidores de este grupo, estábamos unidos en una mente colectiva, y escuchábamos paralizados. Nuestros  estados de ánimo cambiaban locamente del paso entre un tema y otro, escuchamos a Ringo inclusivo con el tema "Con un poco de ayuda de mis amigos", la mirada  de siempre, con un  Paul mirando al futuro con "When I'm 64", la canción en trance de George "Within You Without You”, con tanta influencia mística, el circense de “Mr. Kite." Cuando “A Day in the Life” se desplegó y el acorde final se extendió hasta el infinito, estábamos extasiados y felices de estar escuchando tan hermoso tema. En esos entonces éramos dos jóvenes dos jóvenes aspirantes a nada en ese momento,  pero ese viaje musical nos ofreció posibilidades que se extendieron en todas direcciones. Eran varios los nuevos grupos musicales que aparecían en  Inglaterra. Pero a The Beatles los veíamos que iban creciendo mucho musicalmente y conceptualmente, nos atraían cada día más. Con el disco LP Rubber Soul nos sentíamos bien, nos agradaba escucharlo, lo encontrábamos un disco fuera de serie en comparación con otras músicas que daban vueltas por ahí, realmente y todavía es muy bueno…, y con Revolver nos pasó casi lo mismo, todos los análisis de aquel LP reconocían sus influencias y su efectos culturales en la gente. Yo creo que con este estreno de Sgt. Pepper me uní a las legiones  de personas  que fueron seducidas por las palabras nacidas por estos cuatro personajes, eso es. Los caminos místicos guiados por la mano de George. La alegría humana y la buena y liviana vida de Ringo. Las visiones futuristas, proféticas y cinematográficas de Paul. Los juegos de palabras siempre intensificadas fuertes y duras de un auténtico John. Eran cuatro eran tan diferentes  unos a otros, como los cuatro puntos equidistantes de una brújula, pero sin embargo contribuyeron tanto a la música combinando lo espiritual y lo romántico, lo absurdo y lo político, y a medida que fueron evolucionando, nosotros fuimos evolucionando también junto a ellos.  The Beatles fueron aspirando siempre a mas desde sus primeros trabajos como: “She Loves You” o “I Want To  Hold Your Hand”, son temas de mucha sencillez donde la poesía queda reducida a su frase esencial.  

Cuando se acuerdan del patio de juegos de su juventud , construyen un paisaje totalmente  subrrealista con el tema “Strawberry Fields Forever”, y fue aquí el punto de partida para en nacimiento del Sargento Pimienta o Sgt. Pepper. Un nuevo  manantial sagrado de imágenes y temas abstractos que se volvieron alucinatorios. Raro si hubiese que describirlo de alguna manera, pero todo tenía sentido para ellos. Sus canciones se fueron metiendo en la cabeza de todos, y fueron temas que fueron escuchados por todos desde la música en los autos, las vitrinas, casas de discos y máquinas de wulitzer o máquinas de discos. Hoy en día sus temas se usan para películas, propagandas, y publicidad en general y así todos entonamos sus melodías o cantamos sus letras y aún sin conocer sus significados. Hoy estas canciones ofrecen una visión a veces indescifrable y poética. El lenguaje familiar con melodías y armonías perfectas, encajan perfectamente con la idiosincrasia de casi todos. Sus músicas nos enseñan que todo lo que necesitamos es amar y entender ese cambio generacional de la adolescencia a la madurez, y todo está ahí… en sus músicas.

 

Escrito por: Alejandro Glade R.

El asteroide Starr en honor a una estrella.

 Por: Alejandro Glade R.

Existe un asteroide que se llama Starr, el 31 de agosto de 1984, el astrónomo estadounidense Brian A. Skiff descubre este asteroide en 1984 y fue bautizado como QC1 pero en 1990 se nombró (4150) Starr en honor a Richard Starkey, mejor conocido como Ringo Starr, entre otras por su personalidad alegre y su humor chispeante.

De acuerdo con la página de la Universidad de Harvard dedicada a este descubrimiento, el asteroide Starr se encuentra en una órbita elíptica de 3.34 años alrededor del sol a una distancia de 278.4 millones de kilómetros en un perihelio (punto más cercano al sol) de 389.6 millones de kilómetros. Su órbita está inclinada en 3,2 grados al plano eclíptico / el plano de la órbita de la Tierra alrededor del sol). (4150) Starr es un asteroide que se encuentra en el cinturón principal de asteroides, un gran corredor de rocas cósmicas que se extiende entre Júpiter y Marte.

No hay mucha información sobre las propiedades físicas de (4150) Starr y su diámetro se calcula que va de 7 a 16 kilómetros. Se necesita un potente telescopio para observar este asteroide, que para nosotros, es toda una estrella.

En los gráficos el sol es la estrella amarilla en el centro de la imagen. Las órbitas azules representan los planetas Mercurio, Venus, Tierra, Marte y Júpiter. La posición de cada planeta mayor al día de hoy, está indicada por una cruz encerrada en un círculo. La órbita de (4150) Starr se muestra en rojo con su ubicación actual con una cruz blanca encerrada por un círculo del mismo color. El asteroide gira alrededor del sol en dirección contraria a las manecillas del reloj.

Un asteroide para una estrella, ¡Y que tremenda estrella!

 

Escrito por: Alejandro Glade R.



Como nace “Revolver”

 Por: Alejandro Glade R.

A mediados de la década de 1960, The Beatles estaban agotados de tanta Beatlemanía. Los últimos años, los millones de gritos de sus fans transformaron su música, lo que los llevó a hacer payasadas en los escenarios, ya no les importaba si escuchaban  lo que estaban tocando. Como ya no podían expresar su arte en el escenario, la banda comenzó a hacer del estudio su nuevo medio de expresión. Fruto de ese cambio de rumbo nació Revolver.

Se dieron cuenta que Rubber Soul fue el  primer álbum como una forma de arte en lugar de una colección de canciones, Revolver fue el momento en que comenzaron a utilizar todos los adelantos y técnicas que les ofrecía Abbey Road Studios, trabajando con diferentes loops para crear el sonido que quisieran. A lo largo del disco, la banda buscaba romper cualquier género musical, creando canciones que mezclaban hard rock, pop barroco y música oriental, todo bajo una misma idea. Naturalmente, fue una tarea difícil.

Según se dice que, la banda llegaba al estudio con muy poca preproducción hecha, pensando que podrían elaborar la mayor parte en el estudio. A veces, la idea inicial era muy vaga “Casi todas las tardes, John, Paul o George venían con un trozo de papel que tenía la letra de una secuencia de acordes garabateada, y al cabo de uno o dos días salía otra canción increíble grabada”.

El primer indicio de cambio llegó con su sencillo 'Rain', cuando a John Lennon le gustó algo que accidentalmente ocurrió con sonidos de música al revés. Fascinado por lo que escuchó, Lennon se comprometió a incluir música al revés en todo el álbum.

A partir de ahí, The Beatles querrían que todo funcionara de diferente manera, Revolver se convirtió muy rápidamente en el álbum en el que los Beatles decían 'OK, eso suena genial, ahora reproduzcámoslo al revés o acelerado'". acelerado o ralentizado". Lo intentaron todo al revés, sólo para ver cómo sonaban los temas”.

En canciones como 'I'm Only Sleeping', el guitarrista George Harrison tocó la guitarra al revés, lo que implicó horas de tocar la parte de la guitarra hacia adelante para que sonara correctamente cuando se tocaba al revés, Harrison se  concentraba  tratando de obtener exactamente el sonido correcto de su guitarra, se concentraba completamente en tratar de hacer que su guitarra hablara al revés. Aunque Harrison pudo haber sufrido por su arte, solo se utilizaron unos pocos segundos del efecto hacia atrás en la pista.

En medio de la experimentación, tanto Lennon como McCartney se fueron convirtiendo en verdaderos compositores a lo largo del camino. Con cada canción inacabada que llegaba al estudio, el equipo de compositores veía su esfuerzo colaborativo como una especie de competencia amistosa, siempre tratando de superar lo que el otro era capaz de hacer. A medida que se desarrolla el álbum, se están sentando las bases para diferentes proyectos, como el sonido cansado de 'Sleeping' que anticipa el agotamiento de Lennon con la Beatlemanía en Plastic Ono Band y las alegres baladas de Paul McCartney que allanan el camino para futuras obras maestras como 'Live and Let Die'. y mi amor'.

Este fue también el álbum donde Lennon comenzó a volverse partidario del concepto de doble seguimiento artificial, que se convirtió en un sello distintivo de su estilo vocal. Dado que Lennon nunca fue un gran admirador de su propia voz, el efecto de flanging que obtuvo de los micrófonos en Abbey Road hizo que su voz sonara de otro mundo, lo que utilizó con gran efecto en canciones como 'Tomorrow Never Knows ' .

                  

Aunque Revolver también fue visto como uno de los primeros esfuerzos totalmente psicodélicos del grupo, ninguno de los Beatles consumió narcóticos durante las sesiones; en cambio, se vieron atrapados por una carga de trabajo agotadora. A medida que la banda experimentó con diferentes estilos, también encontraron nuevas formas de grabar algunos de sus momentos alegres.

En muchos sentidos, fue en realidad este desafío por superar la naturaleza agotadora de entrar al estudio en gran medida sin planificación lo que impulsó el álbum en sí. Siempre tenían la sensación de esforzarse por divertirse a pesar de las presiones evidentes era mucho más evidente que cualquier rivalidad que se haya informado posteriormente. Durante la divertida canción 'Yellow Submarine', la escena parecía sacada de una película de los hermanos Marx, con la banda tocando con una gran cantidad de invitados para darle a la canción la cantidad justa de energía estrafalaria que necesitaba.

A pesar de todas las grandes canciones del producto final, todo palidece en comparación con 'Tomorrow Never Knows'. Al ser un esfuerzo grupal de los cuatro miembros, una de las marcas registradas de la canción proviene de los variados bucles de cinta de Paul McCartney. Tomando fragmentos de ruido y poniendo un estilo vanguardista en el rock 'n' roll, McCartney creó un mundo a partir de una guitarra al revés y utilizó una versión acelerada de su risa para crear los sonidos de las gaviotas en la pista final.

Incluso después de completar el álbum, el productor George Martin pensó que la melodía era demasiado compleja para recrearla de la misma manera. Poco sabía de las otras rarezas sonoras que The Beatles le presentarían en los próximos discos, desde el caos controlado de 'I Am The Walrus' hasta la combinación de diferentes canciones en un bucle continuo en el lado final de Abbey Road .

Más que nada, Revolver fue el punto en el que The Beatles se convirtieron en el grupo consagrado de mas adelante. Mientras Martin notaba la vasta experimentación en el proyecto, cada compositor importante estaba presentando algo nuevo, desde McCartney encontrando su lugar escribiendo baladas, y  hasta Lennon  que finalmente no tuvo miedo de poner sus propios pensamientos y sentimientos en su música. Justo detrás de ellos estaba Harrison, siempre abordando las canciones con valor y determinación mientras se introducía en los sonidos de la música oriental.

Revolver marcó la primera vez que ciertas canciones de The Beatles no podían reproducirse en vivo, pero eso pareció no importarle a la banda, que abandonó su gira unos meses después de que el álbum llegara a las tiendas. Si bien la marca de The Beatles se había vuelto demasiado grande para llenar los estadios del mundo, su racha creativa estaba alcanzando un máximo histórico y ni siquiera pensaban en desacelerar. La historia de Revolver para los que estuvieron allí muestra que mientras aceleraban hacia el futuro, lo hacían con la determinación de divertirse. En muchos sentidos, eso generó las formas de traspasar los límites del disco mucho más que cualquier intento de vanguardia. En el estudio, todavía eran sólo cuatro jóvenes de Liverpool.

 

Escrito por: Alejandro Glade R.

 

 

La muerte de Brian Epstein.

 Por: Alejandro Glade R.


Brian Samuel Epstein, conoció a The Beatles en el abarrotado Pub Cavern Club el 9 de noviembre de 1961, hombre de negocios británico, y poseedor de una tienda de muebles en Liverpool, a mi parecer y como también lo dicen muchos otros, fue la persona más influyente en el lanzamiento, promoción y representación  de la popularidad mundial de la banda, también logró mantener unido al grupo, ya que su estilo de gestión era dejar que el grupo siguiera con sus nociones y proyectos musicales mientras a menudo mediaba cuando había un conflicto. Sin embargo, este papel comenzó a disminuir después de que la banda dejó de girar en 1966, aunque todavía ejercía una fuerte influencia, resolviendo disputas entre los miembros y, lo más importante, manejando las finanzas del grupo. Cuando murió de una sobredosis de medicamentos en agosto de 1967, quedó un vacío en la banda. John Lennon tuvo la relación personal más cercana con Epstein y fue el más afectado por su muerte.

Paul McCartney probablemente percibió la precaria situación y buscó iniciar proyectos para el grupo. Lennon, George Harrison y Ringo Starr se sintieron progresivamente perturbados por su creciente dominio en la música y otros proyectos grupales. Más tarde, Lennon reflexionó que los esfuerzos de McCartney eran importantes para la supervivencia de la banda, pero todavía creía que el deseo de McCartney de ayudar provenía de sus propios recelos acerca de seguir una carrera en solitario.

La fundación de Apple Corps se inició bajo la supervisión de Epstein como un esfuerzo de refugio fiscal. Su inesperada muerte dejó en duda el futuro de Apple Corps. La falta de supervisión de Epstein y la inexperiencia de los Beatles como empresarios llevaron a una aventura inesperadamente caótica que sólo aumentó el estrés cuando la banda regresó al estudio para producir su álbum doble de 1968 The Beatles, también conocido como el Álbum Blanco. El papel de Epstein como director de la banda nunca sería reemplazado y, en última instancia, la falta de un liderazgo directivo fuerte sería una de las principales causas de la ruptura.

Brian Epstein fue incluido en el salón de la fama del Rock and Roll en 2014.

 

Escrito por: Alejandro Glade R.